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Os damos la bienvenida a todos aquellos que os gusta y queréis saber algo más de la historia del cine hasta 1950.

LOS ORÍGENES DEL CINE

Los orígenes de la fotografía hunden sus raíces en el siglo XIX. Es durante esta época cuando se empieza a desarrollar el interés por los fenómenos mecánicos de todo tipo. La curiosidad generada por los primeros artilugios relacionados con la captación de la imagen y su proyección es fundamental para entender la investigación de la permanencia de la imagen y el desarrollo de la fotografía. Gracias a una serie de inventores se fue desarrollando la calidad de las primeras imágenes, e incluso se pudo llegar a la proyección de películas mediante la unión de simples fotogramas.

Tenemos que darnos cuenta de que el cine es, en realidad, un fenómeno óptico. Lo que captamos como una imagen en movimiento no es más que la rápida sucesión de fotogramas. Esto se debe a que cuando una imagen nítida va seguida de la oscuridad, el ojo le sigue enviando al cerebro la información de esa imagen. De no ser así el cerebro percibiría el continuo parpadeo de los ojos. Este fenómeno se conoce como persistencia de la luz. Esto es lo que permite que el cerebro rellene los espacios en negro que se dan entre cada fotograma, por lo que al ver un segundo de película lo percibimos como un fenómeno continuo en lugar de fragmentado.

Ya en 1825, John Ayrton Paris desarrolló la primera ilusión óptica. Cogiendo una placa circular dibujo en una cara un papagayo y en la otra una jaula. Acoplando una cuerda a los extremos de la placa y haciéndola girar el pájaro parecía estar encerrado en la jaula. El invento se llamo Thaumatropio. En 1929 Joseph Antoine Ferdinand Plateau ideo un juguete que consistía en una placa circular en la que se añadían una serie de dibujos individualizados, que al hacerla girar enfrente de un espejo se formaba la ilusión de una imagen en movimiento. Durante el siglo XIX florecieron por Europa inventos que reprodujeron este fenómeno en diversos países.

En 1834 el barón Franz von Uchatius colocó una serie de proyectores con imágenes sucesivas de un movimiento enfocando todos a la misma pantalla. Pasando una fuente de luz detrás de cada uno de estos se aparecía una imagen en movimiento en la pantalla. Con el tiempo la idea se simplificó creando un solo proyector circular que proyectaba las imágenes según iba girando. Otro importante  descubrimiento, aunque mas tardío, fue el realizado por Émile Reynaud en 1877, llamado praxinoscopio. Basado en la idea del zoótropo, que consiste en una serie de aberturas hechas en un tambor que permite ver imágenes en movimiento cuando el tambor más pequeño que se encuentra dentro del primero gira. Reynaud mejoró la idea al poner cristales en el tambor más pequeño que reflejaban las imágenes dibujadas en el interior del tambor grande. Al girar proporciona una imagen mucho más nítida de movimiento que su antecedente.

Praxinoscopio 

La primera camera obscura fue proyectada en el Renacimiento por Leonardo da Vinci. Esta consistía en un artilugio completamente cerrado con una sola abertura por donde entraba la luz. En la pared opuesta al agujero se proyectaba la imagen invertida de la escena. Cuando se introdujo una lente para iluminar la imagen ya solo fue necesaria la incorporación de una placa fotográfica para que fijara la imagen. Después de una serie de inventores de diferentes nacionales que intentaron crear esta placa fotográfica sobre diferente materiales a principios del siglo XIX, fue un francés, Louis Jacques Mandé Daguerre quien creó las primeras imágenes claras y permanentes sobre placas de cobre y plata. La primera de estas fotografías se creó en 1837, en el estudio de Daguerre.

Pero para estas primeras fotografías el tiempo de exposición necesario para captar la imagen era de 15 minutos. Hicieron falta muchos años para que las mejoras del diseño permitieran placas fotográficas más sensibles que tomasen la imagen en intervalos de tiempo más pequeños, además de mejoras del diseño del objetivo, sobretodo el invento del obturador. El primero en diseccionar una acción continua en una serie de fotografías fue un inventor, fotógrafo y vagabundo inglés residente en California. Este hombre, Eadweard Muybridge fue contratado por el gobernador de California, Leland Stanford, para ganar una apuesta. El gobernador, aficionado a las carreras, se había apostado con un amigo que los caballos levantaban las cuatro patas a la vez durante su sprint. Muybridge, para probar esta apuesta colocó 24 cámaras a lo largo de la pista de un hipódromo, conectando un cable, que atravesaba la pista, al obturador para que hiciese la foto en el momento en el que pasaba el caballo. Finalmente Leland ganó la apuesta junto con los 25.000 dólares apostados, pero le salió poco rentable, ya que el invento le costó 40.000 dólares.

Serie de Fotografias de Muybridge 

Durante los siguientes años de su vida Muybridge se dedicó a perfeccionar su invento, grabando el movimiento de animales y añadiendo más cámaras para captar mejor el movimiento. Consiguió grabar una imagen continua en fotogramas y darle movimiento, pero todavía no se había conseguido grabar una escena con una sola cámara.

Es por un lado el desarrollo de los juguetes estroboscópicos y, por el otro, el desarrollo de la fotografía, lo que permite empezar a desarrollar lo que hoy conocemos como cine. Pero aun haría falta la intervención de nuevos inventores, que creasen maquinas más eficientes, para que los primeros cortos y películas adquieran verdadera importancia.

Juan Martínez Rodríguez

Primeros largometrajes

1910-1915.El Nacimiento de una nación.

Durante la década da de 1910, la industria cinematográfica de Hollywood se desarrolló hasta caracterizar el cine norteamericano, consiguiendo imponerse como centro de producción mundial de largometrajes, ante una demanda en constante crecimiento. Debido a esta brutal expansión que tuvieron los filmes de larga duración en esta época, Hollywood se convirtió en una poderosa arma social, así como en la pionera y mas influyente fuerza industrial (en materia cinematográfica) del momento.

El boom de la industria, provocó la generación de múltiples películas, que sin los métodos y medios empleados hoy en día por el marketing moderno, eran muy difíciles de acercar al público. Por ello, Hollywood necesitaba generar un método seguro y fiable, que le permitiese atraer a los consumidores a los teatros y primeras salas de cine de la historia, semana tras semana.

Halló la solución a la llamada “teoría del star system” consistente en emplear la figure de imagen de sus actores principales para vender su producto al público, como la de un joven Charlie Chaplin, que ya empezaba a despuntar.

Además, fue necesaria la creación de una nuevo sistema de producción que hiciesen rentables las producciones, y en esto de nuevo, destacó el papel de los directores de Hollywood, quienes mostraron a los directores independientes que se trasladaban a California en aquella época[1], cual era el modelo a seguir, y cuales serian los pasos que dirigirían en rumbo de esta nueva industria.

Expusieron la necesidad de abandonar el modelo del anterior siglo, en donde las producciones presentaban una duración muy breve y por ello debían ser acompañadas por espectáculos de variedades, por una nueva visión: el filme como espectáculo único.

Esto obviamente conllevaba como necesidad, que la película debía ser lo suficientemente larga como para que la gente estuviera dispuesta a pagar por ella, pero además llevaba inherente la necesidad de un guión, mucho mas extenso que hasta ahora, y que narrara una historia independiente pero lo suficientemente buena como para que se convirtiera en el hilo conductor de las imágenes.

Uno de los mayores exponentes de esta nueva industria, apareció en el año 1915, se trataba de la película “ El nacimiento de una nación”(Birth of a nation) , dirigida por David Wark Griffith, en la que ya se incluyeron todas la grandes invenciones de la época como el uso del primer plano, el plano general, el flashback, los fundidos o el montaje alternado, invenciones atribuidas a este mismo director y por los que se le considera una de las figuras clave, además de autoproclamarse  como padre del cine moderno.

Fue un filme de unas dimensiones hasta entonces desconocidas, tuvo grandes problemas de financiación pues se estima que sus valores de producción alcanzaban los 110.000 dólares, obligó a la creación de una nueva compañía para lograr los prestamos necesarios(Epoch Producing Corporation) , estaba compuesta originalmente por 4.117 metros, 1.544 planos, más de 18.000 personas participantes, mas de 3.000 caballos, 37.000 metros de tela e incluso, durante el rodaje, se llegó a montar un hospital para atender los accidente laborales que se producían.

Contó con la colaboración de la academia militar de West Point para realizar las escenas de batalla y llegaron a rodarse hasta 32.918 metros de película de los que apenas se empleó un 10%. Por supuesto, también contó con actores espectaculares, entre los que destacan las apariciones estelares de Eric von Stroheim y Jhon Ford.

Centrándonos en su argumento, se trata de una película que trata de reflejar el drama de dos familias, que van a sufrir la guerra civil norteamericana desde ambos bandos, presenciándose incluso la batalla entre los hijos de estas dos familias, cada uno defendiendo un bando.

Como es lógico, el film provocó enfrentamientos raciales, llegando a influir en el propio presidente Woodrow, y obligando a Griffith a lanzar mensajes en favor de la libertad de expresión en Norteamérica.

De cualquier forma, la polémica no sirvió si no para aumentar al expectación y el éxito por una película que permaneció durante mas de 44 semanas en cartel, y que encumbraron tanto a Griffith como a todos los intermediarios y banqueros (como Louis B. Mayer) que habían hecho posible la producción, además de suponer una lección ejemplar al mundo financiero, que comenzaron a percatarse de la importancia y magnitudes que esta nueva industria naciente podía llegar a alcanzar.

                                                                                                                     

                                                                                                        Diego Martínez López

BIBLIOGRAFÍA

• Gomery,D.,Leutrat,JL., Javier Marzal,J., Historia general del cine , volumen II(EE.UU. 1908-1915), Madrid, 1998. 

• Cousins,Mark, Historia del cine, Barcelona, 2011.

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[1] En especial tras la desaparición del Motion Picture Patents Trust.

El nacimiento del cine

Al final del siglo XIX había surgido una carrera tecnológica y de patentes, para producir el primer aparato capaz de reproducir imágenes en movimiento. Surgieron una gran cantidad de aparatos con diferente fortuna, pero el primero que cumple con la descripción de ser de reproducir fotogramas en movimiento es el kinetoscopio de Alva Edison. Sin embargo su aparato tenía unas taras que permitió que fuese superado por el invento de los hermanos Lumière. El kinetoscopio era incapaz de grabar imágenes en movimiento y  estaba diseñado para un solo espectador, que debía colocar los ojos en un visor acoplado a una caja donde  se proyectaba la película. Esta visión más práctica para la difusión de imágenes en movimiento, junto con la capacidad de proyectar secuencias frente a una audiencia, terminaron por decantar la balanza en favor del cinematógrafo.

Si bien es cierto que en su primera sesión pública, el 28 de diciembre de 1895, no hubo más de 35 espectadores, su popularidad creció muy rápidamente y la sala tuvo que permanecer abierta de 10 de la mañana a 12 de la noche.

Si bien había nacido el cinematógrafo a lo que ahora entendemos como cine o películas aun le quedaba algo de tiempo para adoptar una forma definida. Hay que entender que Louis Lumière era ante todo un inventor no un artista, y que estaba más interesado en la vertiente científica y en los derechos de autor de su máquina, que en el arte que pudiese hacerse con ella. De hecho las primeras “películas” proyectadas por Lumiére eran secuencias de escasos minutos de duración sin ningún tipo de organización argumental, carecían de guión y de montaje.

Uno de los asistentes a esa primera proyección del 28 de diciembre, era un joven empresario de espectáculos y mago llamado  Georges Méliès. Méliès vio en seguida lo que no había visto Lumiére una nueva forma de entretenimiento nunca antes vista. Ante la negativa de Lumière de venderle uno de sus aparatos, decide modificar un bioscopio de William Paul y comienza a rodar sus primeras secuencias hasta 1897.

 Comienza imitando las proyecciones de Lumière, llegadas de trenes, el aroseur, pero con el tiempo decide filmar los espectáculos de su propio teatro y es ahí donde nace el cine, cuando un soporte se utiliza para filmar un hecho con sentido propio. A trvés de este discurso simple pero efectivo, unido a su habilidad para crear efectos visuales, Méliès comienza a explorar las posibilidades narrativas de su aparato.

 Utiliza el “paso de manivela” para alterar la velocidad de filmación e incluso detenerla y así poder altera los elementos de una toma, creando desapariciones y los primeros efectos especiales. Innova en aspectos como la iluminación y la dirección de actores, entiende la diferencia natural que debe haber entre un actor de teatro y uno de cine mudo, crea las divisiones que luego habrá de seguir el cine como la diferenciación entre producción rodaje y edición.

Con todos estos avances en 1902 estrena Le voyage dansla Lune, cuyo plano de la luna con un obús en un ojo forma parte de la historia del cine.

En 1897 los hermanos Lumière comienzan a comprender el enorme potencial que tiene su invento y deciden ponerlo a la venta y de dedicarse a la producción de cinematógrafos y película, dejando la vertiente creativa a disposición de los primeros emprendedores del cine, como el señor Pathé que exportó el invento por todo el mundo. Pronto se instaura por los países más desarrollados de Europa, Asia y América, con una burguesía hambrienta por nuevas sensaciones y avances tecnológicos. Lo que comenzó como una curiosidad científica pronto se convertiría en una industria que movería millones y que se estructuraría de forma diferente en cada país. 

En Europa surgen una serie de productoras independientes y de impulso privado que dependen de los fabricantes, en Estados Unidos hasta la primera década del siglo XX la industria del cine se monopolizará bajo la forma de trust encabezada por Edison, que controlaba la producción,  la distribución y la proyección de las películas a través de la famosa Motion Picture Patents Company, y pese a su desaparición por orden judicial, este sistema de comprender la industria cinematográfica ha pervivido hasta nuestros días.

Alfonso Bouza García

El cine cómico antes de 1950.

El cine cómico antes de 1950.

El origen del cine cómico está muy ligado al origen del cine ya que se dice que la primera película era de carácter cómico. El cine cómico en el inicio se caracterizaba por una cosa y es el  gag, y es un modo de pensar, una confusión entre causa y efecto, que es usada como motivo que contrasta con la causa para la que ha sido hecha; es una metáfora hecha realidad, una realidad hecha en metáfora. Es la ganzúa excéntrica que abre la puerta del mundo en que la lógica ha desparecido.[1]  Viendo este significado el gag puede ser un efecto tanto visual como verbal, teniendo en el cine más importancia el efecto visual que verbal. En resumen el gag es una palabra que abarca diversos aspectos y géneros del cine, pero principalmente el cine cómico. El primer gag que se recuerda, fue en 1896 con la película de El regador regado, también fue la presentación oficial del cinematógrafo. El sinopsis de esta película es muy fácil, un jardinero está regando su jardín cuando un niño pisa la manguera y deja sin agua al jardinero. El jardinero viendo esto, se dispone a inspeccionar la boca de la manguera. Entonces el niño deja de pisar la manguera y moja por completo al jardinero. Esta película dura unos minutos, pero ya estaba presenta el gag. Esta primera incursión del gag, hizo un efecto demoledor de la realidad y de la rutina cotidiana.
El regador regado, Hermanos Lummier.

Ya realizada una pequeña introducción al cine cómico ahora vamos a empezar hablar sobre los directores y actores más importantes del cine cómico antes de 1950.

Para empezar voy a hablar sobre Max Linder, pero su nombre real era Gabriel Leuvielle  en Saint-Loubès y nació el 16 de diciembre de 1883. A Linder se le considera el maestro y padre del cine cómico. Linder cursó teoría escénica en el conservatorio de Burdeos, donde tuvo varios premios como alumno aventajados. Sus padres pertenecían a la clase acomodada, donde intentaron apartarle del mundo del teatro, con lo que le apunto a tres carreras en las cuales no se licenció de ninguna. A los veinte años se va a París donde empieza a interpretar melodramas en el teatro de Ambigù. En su primera incursión en la pantalla no obtuvo mucho éxito, hasta que se cansó de los directores del cine y se independizó de estos, para hacer el cine que a él le gustaba en cómico. Para esto aparto de lado, las leyes y formas para realizar personajes cómico, con lo que él creó un personaje engreído, odioso, un seductor de las mujeres, es decir el típico burgués de su época.  Tras la fama de este personaje, que le hizo viajar por toda Europa, pronto se fue a Hollywood, donde conoció a Chaplin y tuvo una pequeña rivalidad contra él. Películas muy famosas suyas son Max en américa (1917), Siete años de mala suerte (1921) o Los Tres mosqueteros (1922).

Linder murió de una forma muy dramática ya que la fama hizo que se casara con una joven rica en la cual él no quería que se fuera  ella con otro, es considerado como la primera víctima del Star-system. Murió desangrado a causa de las drogas y el alcohol, ya que primero le abrió las venas a su mujer y luego se la abrió el mismo.

Michael Sinnott, más conocido como Sennett, nació el 17 de enero de 1880 en Richmond provincia de Quebec (Canadá). No pudo aprobar los estudios elementales a causa del coro a que iba por la mañana y el trabajo de por las tardes. Va hacia a Nueva york con la profesión de cómico en un circo. Tras esto y sin éxito se marcha a Los Ángeles, donde trabaja como asistente para Griffith donde aprende figuración y se hace secundario en diversas películas de Griffith. Con el tiempo, Sennett convence a Griffith para realizar un grupo de policía de lo más peculiar, con el objetivo de que la gente pierda un poco el temor a los policías. El nombre del grupo fue Los Keystone cops donde estuvo Chaplin un tiempo trabajando representado a unos de los policías. Sus películas tuvieron mucho éxito hasta que Chaplin dejo el grupo dejando solo a Griffith y a Sennett, como miembro del grupo de policía. Tras 18 años de frenética actividad, y después de haber realizado más de 1500 films hizo a conocer a actores maravillosos como Charles Murray, Slim Summeville, Wallace Beery, etc,

The Keystone cops.

Ben Turpin (1869-1940) o también conocido en España como el Bizco Tupín, se hizo a conocer con la película de Chaplin, Su nuevo empleo (1915), donde realizó uno de sus mejores trabajos.

Larry Seamon, era hijo de un prestidigitador y estudió bellas artes. Su personaje principal en sus películas era Jaimito, un hombre menudo donde siempre era perseguido por los estúpidos goliaths a los cuales vencía o por lo menos deparaba serios contratiempos. Las persecuciones excéntricas de Jaimito donde siempre salía bien librado, produjeron mucho furor en aquella época. Su principal película fue Su majestad Jaimito el único (1922). Tras una rápida fama, murió muy joven a los 38 años en plena bancarrota.

Stan Laurel & Larry Semon in "Frauds & Frenzies".

Buster Keaton nació en Pickway (Kansas), el 4 de octubre de 1895. Apareció por primera vez en un escenario con la edad de tres meses, ya que su familia era miembro de un circo. El nombre de Buster se lo puso el famoso prestidigitador Harry Houdini, en la cual significa “Maravilla”. Fue muy famoso en la cuales gano mucho dinero, siendo uno de los personajes más influyentes del cine de la época. Su principal personaje era Pamplinas como se conocía en España, en la que apareció en películas como Pasión y bodas de Pamplinas, El crimen de Pamplinas, Pamplinas nació el día 13 (1921), pero con la película de Las tres edades consiguió su gran fama como cómico. Pero su mejor película es sin duda El maquinista de la general, donde se realiza una sátira antimilitarista en la que casi no se camufló, para la realización de esta película, Keaton obtuvo una gran producción. Tras años de realización de películas, Keaton fue hundido, maltratado, desquiciado y despreciado en Hollywood se fue a París donde murió siendo un hombre muy respetado en toda Europa.

El maquinista de la General, Buster Keaton.

Charlie Chaplin, también conocido como Charlot es considerado como el padre del cine cómico, un referente para todo aquel que quiera hacer este tipo de género cinematográfico. Nació el 16 de abril de 1886, en el número 287 de Kennington Road,  un barrio al sur de Londres. Chaplin antes de empezar en el mundo del cine fue bailarín, acróbata, prestidigitador, mimo e incluso botones de vehículos. A la edad de 20 años entra en la compañía de Fred Karno, e interpretó a un joven en una obra de Sherlock Holmes. A partir de este momento obtuvo una gran fama gracias a su palidez, timismo, y sus mimos. Su fama crecía como la espuma en toda Europa hasta que se trasladó a EE.UU. a causa de la guerra donde empezó a vivir un poco mal a causa de las deudas y los engaños que le hacían las compañías de cine norteamericanas. Obras tan magnificas como El emigrante (1917), Una vida de Perro (1918), El circo (1928), Tiempos modernos (1936) una crítica sobre la rápida mecanización del mundo, y su gran película El gran dictador (1940), esta película de Chaplin es sonoro y es una gran critica a los régimen dictatoriales de la segunda guerra mundial, principalmente del nacismo donde un simple cocinero judío se hace pasar por el Führer alemán. Esta película estuvo prohibida en muchos países de la Unión y por casi toda Europa ya que se decía que tenía ideologías del mismo nacismo. En España no se estrenó hasta 1976, a causa de la dictadura de Franco. El 25 de diciembre de 1977, a la edad de 88 años, Charles Spencer Chaplin, Charlot, murió en su residencia de Vevey (Suiza), donde es considerado como la encarnación del cine hecho en persona.

Chaplin, El Gran dictador.

Bibliografia:
-Bonet Mujica LL., El cine comico mudo, un caso poco hablado, Madrid, 2006.

José Manuel Bravo Torrero.

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[1] Definición del Gag según el cineasta y teórico ruso Kosinzev (1905-1973).

Robert J. Flaherty.

Fue un cineasta estadounidense. Nació el 16 de Febrero de 1884. Inicialmente estudió ingeniería de minas, tras lo cual empezó a trabajar como explotador en una mina de hierro para una compañía de ferrocarriles en la bahía de Hudson. En una de sus expediciones, realizada en 1913, su jefe le propuso grabar la vida cotidiana de las gentes nativas de la zona, iniciando su carrera cinematográfica. Durante este primer trabajo, se centró en la tribu de los inuit. Al año siguiente, antes de continuar su proyecto, se casó con Frances H. Flaherty, que trabajó en muchas de sus obras, recibiendo una nominación al Oscar por el mejor guión en 1948 por “Lousiana Story”.

En este tiempo convivió con Aliakarallak, un miembro de esta tribu. Sin embargo, este proyectó se perdió por culpa de un incendio provocado, accidentalmente, por una colilla tirada por el propio Flaherty, de modo que no le quedó más remedio que volver a grabar el proyecto. La segunda vez que rodó el largometraje, hacia 1922. En esta ocasión, decidió preparar aquello que iba a grabar, y el resultado de esta obra fue el largometraje por el que ha pasado a la historia: “Nanuk, el esquimal”, cuyo protagonista era el inuit mencionado, Aliakarallak, y en la que trabajó su mujer Frances, como la esposa de Nanuk. Tal fue el éxito de “Nanuk” que consiguió un contrato con Paramount, la compañía cinematográfica, que le pidió que hiciese un largometraje de la misma línea de “Nanuk” de modo que empezó a rodar “Moana”, primera obra del género documental-ficción, un género que intenta plasmar la realidad, pero que introduce elementos irreales y situaciones de ficción narrativa.

Para ello, tuvo que mudarse con su familia a Samoa, en el Océano Pacífico durante aproximadamente un año, proyecto para el cual tuvo dos cámaras, una de color y otra de blanco y negro, pero la primera se estropeó, viéndose obligado a grabar enteramente el largometraje con la segunda. Pese a que esta película supuso un gran avance en E.E.U.U. al pasar de estar hecho con ortocromática, hecho con los colores rojo y azul, pero más sensible a éste último color, dándole un aspecto irreal, a estar producido con pancromática, un tipo de película hecho en blanco y negro, pero sensible a todas las ondas del espectro visible, de modo que se convierte en una obra más real.

Sin embargo, siempre estuvo por detrás de los pasos europeos. Cuando llegó a la isla, los nativos ya habían adoptado vestimentas occidentales, como fruto del contacto con los misioneros. La película trataba de un joven que debía someterse a la realización de un tatuaje samoano, mas conocido como Peá, que cubre desde la cintura hasta los tobillos y cuyo proceso de realización, el tatau, es extremadamente doloroso. Un miembro de la tribu samoana que lleve este símbolo es muy respetado por su valentía y se considera la introducción de un joven en la sociedad adulta.

 Fue un fracaso para Flaherty, debido a que la isla y su población ya habían sido muy occidentalizadas, de modo que ya no se podía tratar el tema de “El hombre y la Naturaleza”, como en Nanuk. Además, debido a las prisas que le inculcó la productora no pudo convivir con los protagonistas de la historia, como había hecho con Aliakarallak, con todo lo que ello conlleva, es decir, observarlos, aprender su vida diaria y conocerlos a fondo. Pese a que se rodó en 1924, no se estrenó hasta 1926.

El resto de su vida lo dedicó al desarrollo del género de documental-ficción, con largometrajes como “Tabú”, que trata del romance de dos indígenas de la isla de Bora Bora, que deben huir a una ciudad occidental de colonos cuando ella es elegida como doncella sagrada de los dioses, “Mano of Aran”, que trata la vida de los irlandeses de la isla de Arán, “Elephant Man” y “Lousiana Story”, además de algunos cortometrajes del mundo occidental. Sin embargo ninguna de estas historias alcanzó la importancia y éxito de su primera película, “Nanuk, el esquimal”. Murió el 23 de Julio de 1951.

Adrián Gómez García

Nanuk el esquimal.

Se trata de un largometraje, el primero considerado del género documental de toda la historia, aunque no ha sido considerado como tal hasta tiempos recientes, pues carece de neutralidad, una de las características fundamentales de un documental. Sin embargo, con el tiempo se ha demostrado la imposibilidad de lograr una neutralidad completa, por lo que ha acabado siendo reconocido como primer documental de la historia. Con su aparición, el género documental empezó a considerarse uno más.

Fue estrenado en 1922. Antes de esta fecha, solo existían largometrajes que pretendían ser documentales, pero que lo único que mostraban eran paisajes exóticos y bellas imágenes, que pretendían reflejar la realidad, y que tuvieron un éxito muy escaso de público.

En el largometraje se narran las condiciones en las cuales debe sobrevivir una familia esquimal en el océano ártico, detallando la sociedad de este pueblo. Flaherty, el director del documental, ya realizó un intento de filmar la vida esquimal en los años diez del siglo XX, pero el equipo se quemó, perdiéndose todo su trabajo. Solo gracias a su esposa, Frances, de origen esquimal, a la cual dio el papel de Nyla, la esposa del protagonista, Nanuk. Esta vez se trasladó de nuevo a Hudson Bay, donde ya había rodado en anterior largometraje, y durante aproximadamente dos años estuvo conviviendo con dos esquimales, aprendiendo como cazar, pescar y sobrevivir.

Cuando el documental se estrenó en los Estados Unidos, apenas tuvo éxito, pero, en Europa, gracias a la extraordinaria propaganda que se hizo del mismo, alcanzó la fama y notoriedad con la cual ha perdurado hasta nuestros días.  

El film en cuestión se trata de un tema antropológico, que refleja un modo de vida diferente, quizás un poco idealizado, el del buen salvaje, es decir, el hombre bueno que se preocupa por la naturaleza y que carece de ambiciones, siendo este un tema que impresionó al público del momento.

 No obstante, no es del todo verídico, empezando por el hecho de que los personajes son inventados, lo cual influye en la forma de comportarse de los actores, que no actúan como en su vida cotidiana. Tampoco son reales muchas de las escenas, como por ejemplo, el casi épico final de la película, cuando Nanuk y su familia están en peligro de muerte, y para sobrevivir construyen un iglo. Esta escena, por ejemplo, se rodó con un iglo ya construido, al cual se le hizo una abertura en un lado para que Flaherty pudiese grabar el interior.

Por otra parte, los escenarios en los cuales se desarrolla la historia son completamente reales, aumentando así la pretensión de veracidad con que cuenta el documental. Esta intención de querer probar que la realidad es como la muestra hace el largometraje mucho mas sencillo en cuanto a narración se refiere, empleando además planos hermosos en lo que respecta al paisaje. Además, facilita el correcto reconocimiento de los personajes mostrándolos en primer plano.

Pese a ser la primera, esta fue la obra maestra de Flaherty, aquella que más fama le proporcionó, y ninguno de sus trabajos posteriores se le acercó en éxito, importancia o reconocimiento a la misma.

Adrián Gómez García

Dziga Vértov.

Fue un director del cine vanguardista soviético. Su nombre original era Denís Abrámovich Káufman. Nació en una familia judía en 1896, Bialystok,  en la actual Polonia, que en aquel momento se hallaba anexionada a la Rusia Zarista. Estudió en el conservatorio de Bialystok, hasta 1915, fecha en la que, debido al avance alemán sobre Polonia durante la Primera Guerra Mundial, se trasladó con su familia a Moscú. No obstante, su estancia en esta ciudad duró poco, pues no tardó en trasladarse a San Petersburgo, donde estudió medicina y escribió algunas narraciones poéticas satíricas y de ciencia ficción, género que en este tiempo estaba en pleno desarrollo.

Por este tiempo, y debido a su interés por el futurismo y la ciencia ficción, adoptó el pseudónimo de Dziga Vertov, que significa, aproximadamente, “Gira” o “Peonza” en ucraniano. Tras la revolución de 1918 fue contratado por el Comité de Cine soviético lo contrató para trabajar en Kino-Nedelia, una especie de semanario cinematográfico de noticias de actualidad, donde trabajó durante tres años, trabajando junto a personajes que posteriormente se volverían muy famosos, como Lev Kuleshov. Durante la guerra civil (1917 - 1923) fue encargado de organizar el trabajo de los operadores del frente del ejército rojo.

Al mismo tiempo empezó a dirigir sus primeras películas, dedicadas todas ellas a enaltecer el socialismo y la revolución, como “El Aniversario de la Revolución”, rodado con motivo, como su propio nombre indica, del aniversario revolucionario, o “Historia de la Guerra Civil”, que relataba el conflicto con todo detalle. Fue gracias a estos trabajos cuando empezó a experimentar con el montaje, pues unió los distintos rollos de película sin tener en cuenta la continuidad o lógica de la historia, sino buscando un efecto poético que impactase a los espectadores.

Hacia 1919, creó, junto a otros artistas del mundo del cine del momento, entre los cuales se hallaba su futura esposa, el grupo Kinoki, que significa “Cine-Ojo”, similar a los grupos de artistas que estaban surgiendo en la Europa del momento, siendo el mas famoso de ellos “El Círculo de Inklings”, fundado por J.R.R. Tolkien y C.S Lewis, en el cual se aglutinaban numerosos escritores de fantasía. Este grupo intentó desarrollar, mediante una serie de publicaciones en manifiesto de vanguardia, la teoría del Cine-Ojo. Esta teoría destacaba por el rechazo al cine convencional, intentando lograr la total objetividad de la imagen, sin prepararlas de forma previa, como haría Flaherty en el documental que estrenaría en los años venideros “Nanuk, el esquimal”. Otras formas y costumbres del cine que rechazaba este grupo eran el guión, la puesta en escena, los escenarios o los actores profesionales.

Creían que la cámara veía mejor que el ojo humano, siendo lo único capaz de evitar los artificios propios de los documentales de la época, con el objetivo de captar la verdad cinematográfica montando fragmentos que permitiesen descubrirla.

Aproximadamente en 1922 empezó una nueva serie de noticiarios, llamados esta vez “Kino-Pravda”, que se dedicó a filmar todo tipo de lugares públicos, recurriendo a la cámara oculta en algunas ocasiones. De estos noticiarios, el más famoso fue “Léninskaya Kino-Pravda”, que recogió la reacción a la muerte de Lenin en 1924.

En los veinte años siguientes rodó numerosas películas, siendo la mas famosa e importante “El hombre de la cámara”, rodado hacia 1929, que mostraba la vida de un operario de cámara soviético desde el amanecer hasta el anochecer, parecido a una serie de documentales urbanos que habían surgido en aquellos años, pero que se distinguía de estos por realizar un análisis marxista de las relaciones sociales, analizando además el proceso de creación del cine. Murió en 1954, en Moscú, tras haber revolucionado el género documental, e incluso el mundo entero del cine.

Adrián Goméz García 

El cine soviético antes de Stalin.

Portada del Libro Historia del cine Mundial, Sadoul.

En la obra de Sadobul, Historia del Cine Mundial, anunciaba el nacimiento del cine soviético con estas palabras <<El cine soviético nació el 27 de agosto de 1919, el día en que Lenin firmó el decreto que nacionalizó el antiguo cine Zarista>>.
El cine soviético nace con la Revolución de Octubre y la nacionalización de la industria cinematográfica ruso, y este cine es totalmente diferente al cine zarista.

El cine soviético tiene tres etapas en la cual son las tres misma etapas económicas de la Unión Soviética, la primera fase va desde 1918-1921 en la que el cine tenía una temática para frenar los desastre de la guerra, la segunda etapa va desde 1921 hasta 1925 y la temática del cine va orientado sobre la nueva política económica y la tercera etapa va desde 1925 hasta 1929 en la que el cine soviético se implanta totalmente en la Unión Soviética y ya empieza los temas alabando la fuerza del pueblo ruso.

En 1919 el cine ruso atravesaba por una gran crisis con lo que se pasó a depender  a la Comisaria del Pueblo para la Cultura, en la que se llevó una gran plan para recuperar el poderío del cine ruso, como regular el comercio cinematográfico, crear una oficina de guiones, etc.

Tras este plan, el comité cinematográfico se rebautizó en 1920 como Sección Panrusa de Foto cinematográfica (VFKO).

Con la Nueva Política Económica (NEP) estímulo al mercado libre e hizo que se produjera un control estatal, con lo que permitió mucho a la recuperación de este, en la que la mayoría de la industria cinematográfica se instalan en Moscú.

Una de las productoras más importantes de la URSS fue La Goskino en la cual fue financiado por el estado con una cantidad de 2,3 Millones de Rublos con el objetivo de comprar películas extranjeras con lo que realizó un monopolio sobre el control de las películas extranjeras por parte de la productoras La Goskino.

Cartel de La Goskino.

Esta edad dorada de la productora La Goskino fue efímera ya que empezaron a proliferar una serie de pequeñas distribuidoras que compraban las películas de La Goskino que las alquilaban en las alas del cine a precios competitivos, con lo que el estado tuvo que intervenir otra vez en el cine a causa de la gran subida de precios de las entradas. Al final el estado disolvía La Goskino y creó la Sovkino en la que tuvo todo el monopolio de la distribución de películas soviéticas.

Emblema de la Sovkino.

Unas de las primeras películas del cine ruso fue la de Intolerancia de Griffith. Esta película fue traída a Rusia en 1916 en la que en un primer momento no tuvo mucho éxito pero tras la revolución rusa, el gobierno soviético la recupero y la estrenó  para el público el 25 de mayo de 1918 en Moscú. Esta película en si no seguían la ideología progresista de la filosofía marxista con lo que se cambió un poco haciendo que se fuera una de las primera películas de propaganda del cine soviético. Un gran cambio que le realizaron a la película fue la introducción de un prólogo puramente marxista en la que nos promete que el sistema soviético sacara a Rusia de la miseria y de la oscuridad.

INTOLERANCIA, Griffith.

A partir de esta película la sociedad rusa cambia ya que se hacen lectores ávidos que entran en contactos con la experiencia de otros países.

En el cine ruso le darán mucha importancia América ya que los atrae pero la rechazan un gran ejemplo de esto es una película del director ruso Eisenstein titulada La casa de Cristal en la cual está basada en una ciudad americana, pero también este autor realiza una gran critica de la América tecnológica en la que los rascacielos son un engaño, ya que son iguales son más inferiores que las chabolas que tiene a los alrededores.

Un gran adelanto que se produce en el cine soviético es el descubrimiento del efecto Kileshov, en la cual fue realizado por el director Kileshov, y este efecto trata de una serie de tres secuencias breves donde se unen entre si y causa al espectador las misma sensaciones que le causa al personaje dentro de la película, es decir que si la película trata de un hombre asustado, tú con este efecto cinematográfico te encuentras asustado. Este efecto causó una gran revolución dentro del cine ruso, llegándose a utilizar en muchas películas de Kileshov.

Bibliografia:

-Historia General del Cine. Vol. V. Europa y Asia (1918-1930). Catedra. Madrid. 1997.

José Manuel Bravo Torrero

Autores del cine soviético.

Aleksander Dovjenko.

Nace en Ucrania en 1894, abandona la carrera diplomática para dedicarse al cine, donde sus obras representan mucho a la naturaleza como un espacio simbólico que moldea a la revolución.

Su primera gran obra se llama Zvenigora (1927) en la que nos presenta una historia llenas de héroes y traidores. El arsenal (1929) nos narra la guerra como termino de lucha hasta la muerte. Stalin le acusara de impulsar el nacionalismo ucraniano, con lo que será perseguido y tendrá grandes dificultades para trabajar como director.

Su obra cumbre se titula Zemlya (La Tierra) (1930) en la que nos muestra el ciclo biológico de la vida, a modo de poema, con el campesino y el campo como protagonista. Muere en 1956.

Zemlya, de Dovjenko.

Sergei Mijailovich Eisentein.

Nace en Riga en 1898. Estudia en la escuela de Ingeniería Civil y asiste a la Escuela de Bellas Artes. Tras la revolución rusa, se alista en el bando bolchevique con lo que perteneció al ejército rojo.

Tras la guerra se mete en un curso superior de dirección escénica en Meyerhold. En 1923, rueda su primer largometraje, el cine-diario de Glumov. Como cine ya profesional realizo una con la productora Goskino que se tituló La huelga (1924). A este autor le manda la realización de una película para conmemorar en 20 aniversario de la revolución de 1905 con lo que hará su obra más famosa, El acorazado Potemkin (1925).

Esta película presenta a los personajes como metáfora de la lucha victoriosa, en la que siente el impulso de enfrentarse contra las tropas zaristas. Esta película tuvo muchísimo éxito en Rusia con lo que la Sovjino, quiso exportarla para que la vieran los defensores de la ciudad de Maiakovski.

 El acorazado Potemkin, Eisentein

Tras esta película, el Partido le manda la realización de la película Oktiabr (Octubre), en la que más tarde eliminó las imágenes de Troski. En esta ocasión el director recurre a numerosos simbolismos y metáforas, al tiempo que tiende al realismo lírico.

En 1928 entra como profesor en la Escuela Técnica Cinematográfica del estado en la que le servirá para fijar sus posiciones teóricas del cine.

Realizó varios viajes por Europa donde va hacia Hollywood con el objetivo de conocer la técnica del sonido, al final se marcha de América ya que le considera como un atacante de la sociedad americana.

Con el pacto de amistad de Rusia y Alemania, Einsentein ayuda a Wagner la realización de Las Walkirias, y es condecorado con la orden de Lenin. En 1941 tras romperse el pacto, este autor empieza la realización de las dos partes biográficas de Iván IV, (1942-45). Tras realizar un gran error, por haber representado al Zar en la segunda parte de Iván, se arrepiente en público por temor de la purga de intelectuales. En 1948 muere a causa de un infarto y no termino su ensayo titulado “El color del cine”.

 Trailer de Ivan IV, el Terrible, Eisentein.

Lev Kuleshov.

Nace en 1899 y empezó con el cine Psicodramatico como su película, El proyecto del ingeniero Pright (1918). Al llegar la guerra civil, se alista al ejército rojo y empieza a rodar escena de la misma guerra. Tras terminar la guerra se hace profesor de la nueva escuela de cine donde empieza a remodelar el sistema de enseñanza en la que tuvo mucho éxito.

En 1935, lo condecoran con  la distinción de Artista de Merito, y tras esto realizó un experimento donde representaba la misma escena pero con elementos totalmente distinto con lo que nació el “Efecto Kuleshov”. Sus películas más famosas son Duralex (1926), El gran consuelo (1933). En 1970 muere dejando su nombre inscrito dentro de la historia del cine ruso y sobre todo soviético.

Ester Shub.

Nace en Ucrania en 1984, en un cineasta documentalista. Tras integrase en la Goskino, empieza su pasión por realizar montajes de películas. En 1927, crea su primer film titulado, La caída de los Romanov, en la que tuvo muy buena crítica. Para la realización de esta película utilizó imágenes reales de la familia zarista.

Al final de la década de los treinta y a partir de unos operadores soviéticos destinado en los frentes de la Guerra Civil española, realiza la película de España (1939) en la que poco después es condecorado como Artista de la Republica. En 1942 abandona Goskino para hacerse realizador jefe del noticiario Novosti. Muere en 1959.

 España, Shub

Bibliografía:

-Historia General del Cine. Vol. V. Europa y Asia (1918-1930). Catedra. Madrid. 1997.

José Manuel Bravo Torrero

EL CINE DE AKIRA KUROSAWA

No podemos analizar el cine japonés sin detenernos unos momentos en la figura de Akira Kurosawa, seguramente uno de los directores japonés más influyentes de la historia del cine, pese a que lo mejor de sus obras sean posteriores a 1950, haremos un breve recorrido por  su filmografía destacando sus películas más características. Este director marcó un estilo que llegó mucho más lejos de las fronteras de Japón, de él tomaran influencias directores como Kubrik, Lucas o Leone, entre otros.

 Y es que Kurosawa tenía un forma de dirigir muy particular, basada en una obsesión por los detalles, esta búsqueda de la perfección se ve reflejada en lo cuidad de los encuadres, las transiciones y el uso del color. Como peculiaridades podemos destacar su empleo de varias  cámaras a la vez y el empleo de objetivos de focal larga, no sólo para destacar a los actores del fondo, sino que él creía que así ellos trabajaban mejor.

Kurosawa nación en 1910 y murió en 1998, esto le permitió desarrollar una extensa carrera, con más de treinta películas como director. Comenzó a trabajar en el año 30 para la productora Toho en 1938 como ayudante de dirección y en 1942 dirigió su primera película,  La leyenda del gran Judo, obra  muy influenciada por el régimen de la época.

 La película narra el proceso de aprendizaje y los duros sacrificios que debe sufrir un estudiante de judo. En ella se ensalzan  los valores tradicionales del pueblo frente a una burguesía occidentalizada corrupta, pese a lo evidente de su mensaje sufrió la censura del gobierno japonés de la época.

Su siguiente film fue  La más bella de 1944, una película propagandística rodad como semidocumental que expone la vida de una trabajadora en una fábrica de lentes militares, y el duro esfuerzo que realiza para aumentar la producción en tiempos de escasez. En 1945 el estudio Toho lo presionará para que realice una segunda parte de La leyenda del gran Judo, otra película propagandística que no destaca en la carrera de su director.

Al concluir la Segunda guerra Mundial Akira Kurosawa se rebela, reniega de sus orígenes y del régimen anterior, al que denunciará en obras como No añoro mi juventud de 1946.  En 1948 rueda El ángel ebrio, que trata la complicad relación de un médico del extrarradio con un miembro de la Yakuza japonésa. Esta es una película precursora  de temas que luego serán tratados en otras obras de Kurosawa, además de su primera colaboración con Toshiro Mifune, actor que colaborará activamente con Kurosawa. Tras las presiones que sufrió del régimen imperial de desvincularse del Japón tradicional Kurosawa se sumergirá de lleno en el Japón tradicional para rescatar la figura del samurai, entorno en el que se desarrollan sus mejores películas.

Seguramente la primera obra de su filmografía que trascendió las fronteras fue Rashomon, de 1950. Ambientada en el Japón del siglo XII nos propone una trama de cine policiaco. En esta película se narra el asesinato de un samurái a través de cuatro fuentes distintas, exponiendo cada una diferentes caras de una misma historia.

Siguiendo el camino abierto por Rashomon, se decidió a rodar Los siete samuráis de1954, película que cuenta cómo un grupo de samuráis son reclutados por unos campesinos para que los defiendan de unos bandidos. Kurosawa construye un relato épico, y lo aborda como un trabajo de actores, a lo largo de las más de tres horas y media de película vemos la evolución de los personajes en un entorno que pese a estar situado en Japón, contiene los elementos básicos de un western. Tal vez sea esta faceta de la película la que consiguiese su éxito internacional.

Mucho más tarde en los años setenta Kurosawa se atrevió a dar el salto a Holywood, y particpo en proyectos de gran envergdura como Tora!Tora!Tora!, de 1968. Pero será en 1975 cuando se le conceda el óscar a mejor película de lengua extranjera con Dersu Uzala, una película biográfica sobre la vida del cazador Vladimir Aserniev. Cuenta la vida de un cazador siberiano que vive en armonía con la naturaleza. La película es un himno en defensa de los valores ecologistas y en contra de la civilización que destruye la naturaleza.

Por último hablaremos de una de sus últimas películas, la superproducción que fue Ran de 1985. Esta película es una adaptación de la obra de William Shackespeare, El rey Lear. Kurosawa sustituye la Inglaterra medieval por el Japón feudal, donde un Damyo se halla ante la difícil situación de repartir sus tierras entre sus tres hijos. A su muerte éstos  entraran en luchas fraticidas que lo único que consiguen es destrozar sus propias tierras. Esta película puede ser considerada la obra cumbre de Kurosawa, en ella se conjugan elementos de Lo siete samuráis, o  Rashomon, junto a un despliegue de medios espectacular. Cabe resaltar el absoluto dominio del color a lo largo de la película, fruto de un profundo estudio de la luz.

Alfonso Bouza García