martes, 21 de enero de 2014
Bienvenida
Os damos la bienvenida a todos aquellos que os gusta y queréis saber algo más de la historia del cine hasta 1950.
LOS ORÍGENES DEL CINE
Los orígenes de la fotografía hunden sus raíces en
el siglo XIX. Es durante esta época cuando se empieza a desarrollar el interés
por los fenómenos mecánicos de todo tipo. La curiosidad generada por los
primeros artilugios relacionados con la captación de la imagen y su proyección
es fundamental para entender la investigación de la permanencia de la imagen y
el desarrollo de la fotografía. Gracias a una serie de inventores se fue
desarrollando la calidad de las primeras imágenes, e incluso se pudo llegar a
la proyección de películas mediante la unión de simples fotogramas.
Tenemos que darnos cuenta de que el cine es, en
realidad, un fenómeno óptico. Lo que captamos como una imagen en movimiento no
es más que la rápida sucesión de fotogramas. Esto se debe a que cuando una
imagen nítida va seguida de la oscuridad, el ojo le sigue enviando al cerebro
la información de esa imagen. De no ser así el cerebro percibiría el continuo
parpadeo de los ojos. Este fenómeno se conoce como persistencia de la luz. Esto
es lo que permite que el cerebro rellene los espacios en negro que se dan entre
cada fotograma, por lo que al ver un segundo de película lo percibimos como un
fenómeno continuo en lugar de fragmentado.
Ya en 1825, John Ayrton Paris desarrolló la primera
ilusión óptica. Cogiendo una placa circular dibujo en una cara un papagayo y en
la otra una jaula. Acoplando una cuerda a los extremos de la placa y haciéndola
girar el pájaro parecía estar encerrado en la jaula. El invento se llamo Thaumatropio. En 1929 Joseph Antoine
Ferdinand Plateau ideo un juguete que consistía en una placa circular en la que
se añadían una serie de dibujos individualizados, que al hacerla girar enfrente
de un espejo se formaba la ilusión de una imagen en movimiento. Durante el
siglo XIX florecieron por Europa inventos que reprodujeron este fenómeno en
diversos países.
En
1834 el barón Franz von Uchatius colocó una serie de proyectores con imágenes
sucesivas de un movimiento enfocando todos a la misma pantalla. Pasando una
fuente de luz detrás de cada uno de estos se aparecía una imagen en movimiento
en la pantalla. Con el tiempo la idea se simplificó creando un solo proyector
circular que proyectaba las imágenes según iba girando. Otro importante descubrimiento, aunque mas tardío, fue el
realizado por Émile Reynaud en 1877, llamado praxinoscopio. Basado en la idea del zoótropo, que consiste en una serie de aberturas hechas en un
tambor que permite ver imágenes en movimiento cuando el tambor más pequeño que
se encuentra dentro del primero gira. Reynaud mejoró la idea al poner cristales
en el tambor más pequeño que reflejaban las imágenes dibujadas en el interior del
tambor grande. Al girar proporciona una imagen mucho más nítida de movimiento
que su antecedente.
Praxinoscopio
La primera camera
obscura fue proyectada en el Renacimiento por Leonardo da Vinci. Esta
consistía en un artilugio completamente cerrado con una sola abertura por donde
entraba la luz. En la pared opuesta al agujero se proyectaba la imagen invertida
de la escena. Cuando se introdujo una lente para iluminar la imagen ya solo fue
necesaria la incorporación de una placa fotográfica para que fijara la imagen.
Después de una serie de inventores de diferentes nacionales que intentaron
crear esta placa fotográfica sobre diferente materiales a principios del siglo
XIX, fue un francés, Louis Jacques Mandé Daguerre quien creó las primeras
imágenes claras y permanentes sobre placas de cobre y plata. La primera de
estas fotografías se creó en 1837, en el estudio de Daguerre.
Pero
para estas primeras fotografías el tiempo de exposición necesario para captar
la imagen era de 15 minutos. Hicieron falta muchos años para que las mejoras
del diseño permitieran placas fotográficas más sensibles que tomasen la imagen
en intervalos de tiempo más pequeños, además de mejoras del diseño del
objetivo, sobretodo el invento del obturador. El primero en diseccionar una
acción continua en una serie de fotografías fue un inventor, fotógrafo y
vagabundo inglés residente en California. Este hombre, Eadweard Muybridge fue
contratado por el gobernador de California, Leland Stanford, para ganar una
apuesta. El gobernador, aficionado a las carreras, se había apostado con un
amigo que los caballos levantaban las cuatro patas a la vez durante su sprint. Muybridge,
para probar esta apuesta colocó 24 cámaras a lo largo de la pista de un
hipódromo, conectando un cable, que atravesaba la pista, al obturador para que
hiciese la foto en el momento en el que pasaba el caballo. Finalmente Leland
ganó la apuesta junto con los 25.000 dólares apostados, pero le salió poco
rentable, ya que el invento le costó 40.000 dólares.
Serie de Fotografias de
Muybridge
Durante los siguientes años de su vida Muybridge se
dedicó a perfeccionar su invento, grabando el movimiento de animales y
añadiendo más cámaras para captar mejor el movimiento. Consiguió grabar una
imagen continua en fotogramas y darle movimiento, pero todavía no se había
conseguido grabar una escena con una sola cámara.
Es por un lado el desarrollo de los juguetes
estroboscópicos y, por el otro, el desarrollo de la fotografía, lo que permite
empezar a desarrollar lo que hoy conocemos como cine. Pero aun haría falta la
intervención de nuevos inventores, que creasen maquinas más eficientes, para
que los primeros cortos y películas adquieran verdadera importancia.
Juan Martínez Rodríguez
Primeros largometrajes
1910-1915.El Nacimiento
de una nación.
Durante
la década da de 1910, la industria cinematográfica de Hollywood se desarrolló
hasta caracterizar el cine norteamericano, consiguiendo imponerse como centro
de producción mundial de largometrajes, ante una demanda en constante
crecimiento. Debido a esta brutal expansión que tuvieron los filmes de larga duración
en esta época, Hollywood se convirtió en una poderosa arma social, así como en
la pionera y mas influyente fuerza industrial (en materia cinematográfica) del
momento.
El
boom de la industria, provocó la generación de múltiples películas, que sin los
métodos y medios empleados hoy en día por el marketing moderno, eran muy difíciles
de acercar al público. Por ello, Hollywood necesitaba generar un método seguro
y fiable, que le permitiese atraer a los consumidores a los teatros y primeras salas
de cine de la historia, semana tras semana.
Halló
la solución a la llamada “teoría del star
system” consistente en emplear la figure de imagen de sus actores
principales para vender su producto al público, como la de un joven Charlie Chaplin,
que ya empezaba a despuntar.
Además,
fue necesaria la creación de una nuevo sistema de producción que hiciesen
rentables las producciones, y en esto de nuevo, destacó el papel de los
directores de Hollywood, quienes mostraron a los directores independientes que
se trasladaban a California en aquella época[1],
cual era el modelo a seguir, y cuales serian los pasos que dirigirían en rumbo
de esta nueva industria.
Expusieron
la necesidad de abandonar el modelo del anterior siglo, en donde las
producciones presentaban una duración muy breve y por ello debían ser acompañadas
por espectáculos de variedades, por una nueva visión: el filme como espectáculo
único.
Esto
obviamente conllevaba como necesidad, que la película debía ser lo
suficientemente larga como para que la gente estuviera dispuesta a pagar por
ella, pero además llevaba inherente la necesidad de un guión, mucho mas extenso
que hasta ahora, y que narrara una historia independiente pero lo suficientemente
buena como para que se convirtiera en el hilo conductor de las imágenes.
Uno
de los mayores exponentes de esta nueva industria, apareció en el año 1915, se
trataba de la película “ El nacimiento de
una nación”(Birth of a nation) , dirigida por David Wark Griffith, en la
que ya se incluyeron todas la grandes invenciones de la época como el uso del
primer plano, el plano general, el flashback,
los fundidos o el montaje alternado, invenciones atribuidas a este mismo
director y por los que se le considera una de las figuras clave, además de autoproclamarse
como padre del cine moderno.
Fue
un filme de unas dimensiones hasta entonces desconocidas, tuvo grandes
problemas de financiación pues se estima que sus valores de producción alcanzaban
los 110.000 dólares, obligó a la creación de una nueva compañía para lograr los
prestamos necesarios(Epoch Producing
Corporation) , estaba compuesta originalmente por 4.117 metros, 1.544
planos, más de 18.000 personas participantes, mas de 3.000 caballos, 37.000
metros de tela e incluso, durante el rodaje, se llegó a montar un hospital para
atender los accidente laborales que se producían.
Contó
con la colaboración de la academia militar de West Point para realizar las
escenas de batalla y llegaron a rodarse hasta 32.918 metros de película de los
que apenas se empleó un 10%. Por supuesto, también contó con actores espectaculares,
entre los que destacan las apariciones estelares de Eric von Stroheim y Jhon
Ford.
Centrándonos
en su argumento, se trata de una película que trata de reflejar el drama de dos
familias, que van a sufrir la guerra civil norteamericana desde ambos bandos, presenciándose
incluso la batalla entre los hijos de estas dos familias, cada uno defendiendo
un bando.
Como
es lógico, el film provocó enfrentamientos raciales, llegando a influir en el
propio presidente Woodrow, y obligando a Griffith a lanzar mensajes en favor de
la libertad de expresión en Norteamérica.
De
cualquier forma, la polémica no sirvió si no para aumentar al expectación y el
éxito por una película que permaneció durante mas de 44 semanas en cartel, y
que encumbraron tanto a Griffith como a todos los intermediarios y banqueros (como
Louis B. Mayer) que habían hecho posible la producción, además de suponer una
lección ejemplar al mundo financiero, que comenzaron a percatarse de la importancia
y magnitudes que esta nueva industria naciente podía llegar a alcanzar.
Diego Martínez López
BIBLIOGRAFÍA
- Gomery,D.,Leutrat,JL., Javier Marzal,J., Historia general del cine , volumen II(EE.UU. 1908-1915), Madrid, 1998.
- Cousins,Mark, Historia del cine, Barcelona, 2011.
El
nacimiento del cine
Al
final del siglo XIX había surgido una carrera tecnológica y de patentes, para
producir el primer aparato capaz de reproducir imágenes en movimiento.
Surgieron una gran cantidad de aparatos con diferente fortuna, pero el primero
que cumple con la descripción de ser de reproducir fotogramas en movimiento es
el kinetoscopio de Alva Edison. Sin embargo su aparato tenía unas taras que
permitió que fuese superado por el invento de los hermanos Lumière. El
kinetoscopio era incapaz de grabar imágenes en movimiento y estaba diseñado para un solo espectador, que
debía colocar los ojos en un visor acoplado a una caja donde se proyectaba la película. Esta visión más
práctica para la difusión de imágenes en movimiento, junto con la capacidad de proyectar
secuencias frente a una audiencia, terminaron por decantar la balanza en favor
del cinematógrafo.
Si
bien es cierto que en su primera sesión pública, el 28 de diciembre de 1895, no
hubo más de 35 espectadores, su popularidad creció muy rápidamente y la sala
tuvo que permanecer abierta de 10 de la mañana a 12 de la noche.
Si
bien había nacido el cinematógrafo a lo que ahora entendemos como cine o
películas aun le quedaba algo de tiempo para adoptar una forma definida. Hay
que entender que Louis Lumière era ante todo un inventor no un artista, y que
estaba más interesado en la vertiente científica y en los derechos de autor de
su máquina, que en el arte que pudiese hacerse con ella. De hecho las primeras
“películas” proyectadas por Lumiére eran secuencias de escasos minutos de
duración sin ningún tipo de organización argumental, carecían de guión y de
montaje.
Uno
de los asistentes a esa primera proyección del 28 de diciembre, era un joven
empresario de espectáculos y mago llamado
Georges Méliès. Méliès vio en seguida lo que no había visto Lumiére una
nueva forma de entretenimiento nunca antes vista. Ante la negativa de Lumière
de venderle uno de sus aparatos, decide modificar un bioscopio de William Paul
y comienza a rodar sus primeras secuencias hasta 1897.
Comienza imitando las proyecciones de Lumière,
llegadas de trenes, el aroseur, pero con el tiempo decide filmar los
espectáculos de su propio teatro y es ahí donde nace el cine, cuando un soporte
se utiliza para filmar un hecho con sentido propio. A trvés de este discurso
simple pero efectivo, unido a su habilidad para crear efectos visuales, Méliès
comienza a explorar las posibilidades narrativas de su aparato.
Utiliza el “paso de manivela” para alterar la
velocidad de filmación e incluso detenerla y así poder altera los elementos de
una toma, creando desapariciones y los primeros efectos especiales. Innova en
aspectos como la iluminación y la dirección de actores, entiende la diferencia
natural que debe haber entre un actor de teatro y uno de cine mudo, crea las divisiones
que luego habrá de seguir el cine como la diferenciación entre producción
rodaje y edición.
Con
todos estos avances en 1902 estrena Le
voyage dansla Lune, cuyo plano de la luna con un obús en un ojo forma parte
de la historia del cine.
En
1897 los hermanos Lumière comienzan a comprender el enorme potencial que tiene
su invento y deciden ponerlo a la venta y de dedicarse a la producción de
cinematógrafos y película, dejando la vertiente creativa a disposición de los
primeros emprendedores del cine, como el señor Pathé que exportó el invento por
todo el mundo. Pronto se instaura por los países más desarrollados de Europa,
Asia y América, con una burguesía hambrienta por nuevas sensaciones y avances
tecnológicos. Lo que comenzó como una curiosidad científica pronto se
convertiría en una industria que movería millones y que se estructuraría de
forma diferente en cada país.
En Europa surgen una serie de productoras
independientes y de impulso privado que dependen de los fabricantes, en Estados
Unidos hasta la primera década del siglo XX la industria del cine se
monopolizará bajo la forma de trust encabezada por Edison, que controlaba la
producción, la distribución y la
proyección de las películas a través de la famosa Motion Picture Patents
Company, y pese a su desaparición por orden judicial, este sistema de
comprender la industria cinematográfica ha pervivido hasta nuestros días.
Alfonso Bouza
García
El cine cómico antes de 1950.
El cine cómico antes de 1950.
El origen del cine cómico está
muy ligado al origen del cine ya que se dice que la primera película era de
carácter cómico. El cine cómico en el inicio se caracterizaba por una cosa y es
el gag, y es un modo de pensar, una
confusión entre causa y efecto, que es usada como motivo que contrasta con la
causa para la que ha sido hecha; es una metáfora hecha realidad, una realidad
hecha en metáfora. Es la ganzúa excéntrica que abre la puerta del mundo en que
la lógica ha desparecido.[1] Viendo este significado el gag puede ser un
efecto tanto visual como verbal, teniendo en el cine más importancia el efecto
visual que verbal. En resumen el gag es una palabra que abarca diversos aspectos
y géneros del cine, pero principalmente el cine cómico. El primer gag que se
recuerda, fue en 1896 con la película de El
regador regado, también fue la presentación oficial del cinematógrafo. El sinopsis
de esta película es muy fácil, un jardinero está regando su jardín cuando un
niño pisa la manguera y deja sin agua al jardinero. El jardinero viendo esto,
se dispone a inspeccionar la boca de la manguera. Entonces el niño deja de
pisar la manguera y moja por completo al jardinero. Esta película dura unos
minutos, pero ya estaba presenta el gag. Esta primera incursión del gag, hizo
un efecto demoledor de la realidad y de la rutina cotidiana.
El regador regado, Hermanos Lummier.
El regador regado, Hermanos Lummier.
Ya realizada una pequeña introducción
al cine cómico ahora vamos a empezar hablar sobre los directores y actores más
importantes del cine cómico antes de 1950.
Para empezar voy a hablar sobre
Max Linder, pero su nombre real era Gabriel Leuvielle en Saint-Loubès y nació el 16 de diciembre de
1883. A Linder se le considera el maestro y padre del cine cómico. Linder cursó
teoría escénica en el conservatorio de Burdeos, donde tuvo varios premios como
alumno aventajados. Sus padres pertenecían a la clase acomodada, donde
intentaron apartarle del mundo del teatro, con lo que le apunto a tres carreras
en las cuales no se licenció de ninguna. A los veinte años se va a París donde
empieza a interpretar melodramas en el teatro de Ambigù. En su primera incursión
en la pantalla no obtuvo mucho éxito, hasta que se cansó de los directores del
cine y se independizó de estos, para hacer el cine que a él le gustaba en cómico.
Para esto aparto de lado, las leyes y formas para realizar personajes cómico,
con lo que él creó un personaje engreído, odioso, un seductor de las mujeres,
es decir el típico burgués de su época.
Tras la fama de este personaje, que le hizo viajar por toda Europa,
pronto se fue a Hollywood, donde conoció a Chaplin y tuvo una pequeña rivalidad
contra él. Películas muy famosas suyas son Max
en américa (1917), Siete años de mala
suerte (1921) o Los Tres mosqueteros
(1922).
Linder murió de una forma muy
dramática ya que la fama hizo que se casara con una joven rica en la cual él no
quería que se fuera ella con otro, es
considerado como la primera víctima del Star-system. Murió desangrado a causa
de las drogas y el alcohol, ya que primero le abrió las venas a su mujer y
luego se la abrió el mismo.
Michael Sinnott, más conocido
como Sennett, nació el 17 de enero de 1880 en Richmond provincia de Quebec (Canadá).
No pudo aprobar los estudios elementales a causa del coro a que iba por la
mañana y el trabajo de por las tardes. Va hacia a Nueva york con la profesión
de cómico en un circo. Tras esto y sin éxito se marcha a Los Ángeles, donde
trabaja como asistente para Griffith donde aprende figuración y se hace
secundario en diversas películas de Griffith. Con el tiempo, Sennett convence a
Griffith para realizar un grupo de policía de lo más peculiar, con el objetivo
de que la gente pierda un poco el temor a los policías. El nombre del grupo fue
Los Keystone cops donde estuvo
Chaplin un tiempo trabajando representado a unos de los policías. Sus películas
tuvieron mucho éxito hasta que Chaplin dejo el grupo dejando solo a Griffith y
a Sennett, como miembro del grupo de policía. Tras 18 años de frenética
actividad, y después de haber realizado más de 1500 films hizo a conocer a
actores maravillosos como Charles Murray, Slim Summeville, Wallace Beery, etc,
The Keystone cops.
Ben Turpin (1869-1940) o también
conocido en España como el Bizco Tupín,
se hizo a conocer con la película de Chaplin, Su nuevo empleo (1915), donde realizó uno de sus mejores trabajos.
Larry Seamon, era hijo de un
prestidigitador y estudió bellas artes. Su personaje principal en sus películas
era Jaimito, un hombre menudo donde
siempre era perseguido por los estúpidos goliaths a los cuales vencía o por lo
menos deparaba serios contratiempos. Las persecuciones excéntricas de Jaimito
donde siempre salía bien librado, produjeron mucho furor en aquella época. Su
principal película fue Su majestad
Jaimito el único (1922). Tras una rápida fama, murió muy joven a los 38
años en plena bancarrota.
Buster Keaton nació en Pickway
(Kansas), el 4 de octubre de 1895. Apareció por primera vez en un escenario con
la edad de tres meses, ya que su familia era miembro de un circo. El nombre de
Buster se lo puso el famoso prestidigitador Harry Houdini, en la cual significa
“Maravilla”. Fue muy famoso en la cuales gano mucho dinero, siendo uno de los
personajes más influyentes del cine de la época. Su principal personaje era Pamplinas como se conocía en España, en
la que apareció en películas como Pasión
y bodas de Pamplinas, El crimen de
Pamplinas, Pamplinas nació el día 13
(1921), pero con la película de Las tres
edades consiguió su gran fama como cómico. Pero su mejor película es sin
duda El maquinista de la general,
donde se realiza una sátira antimilitarista en la que casi no se camufló, para
la realización de esta película, Keaton obtuvo una gran producción. Tras años
de realización de películas, Keaton fue hundido, maltratado, desquiciado y
despreciado en Hollywood se fue a París donde murió siendo un hombre muy
respetado en toda Europa.
El maquinista de la General, Buster Keaton.
Charlie Chaplin, también conocido como Charlot es considerado como el padre del cine cómico, un referente para todo aquel que quiera hacer este tipo de género cinematográfico. Nació el 16 de abril de 1886, en el número 287 de Kennington Road, un barrio al sur de Londres. Chaplin antes de empezar en el mundo del cine fue bailarín, acróbata, prestidigitador, mimo e incluso botones de vehículos. A la edad de 20 años entra en la compañía de Fred Karno, e interpretó a un joven en una obra de Sherlock Holmes. A partir de este momento obtuvo una gran fama gracias a su palidez, timismo, y sus mimos. Su fama crecía como la espuma en toda Europa hasta que se trasladó a EE.UU. a causa de la guerra donde empezó a vivir un poco mal a causa de las deudas y los engaños que le hacían las compañías de cine norteamericanas. Obras tan magnificas como El emigrante (1917), Una vida de Perro (1918), El circo (1928), Tiempos modernos (1936) una crítica sobre la rápida mecanización del mundo, y su gran película El gran dictador (1940), esta película de Chaplin es sonoro y es una gran critica a los régimen dictatoriales de la segunda guerra mundial, principalmente del nacismo donde un simple cocinero judío se hace pasar por el Führer alemán. Esta película estuvo prohibida en muchos países de la Unión y por casi toda Europa ya que se decía que tenía ideologías del mismo nacismo. En España no se estrenó hasta 1976, a causa de la dictadura de Franco. El 25 de diciembre de 1977, a la edad de 88 años, Charles Spencer Chaplin, Charlot, murió en su residencia de Vevey (Suiza), donde es considerado como la encarnación del cine hecho en persona.
Chaplin, El Gran dictador.
Bibliografia:
-Bonet Mujica LL., El cine comico mudo, un caso poco hablado, Madrid, 2006.
Bibliografia:
-Bonet Mujica LL., El cine comico mudo, un caso poco hablado, Madrid, 2006.
José Manuel Bravo Torrero.
[1] Definición
del Gag según el cineasta y teórico ruso Kosinzev (1905-1973).
Robert J. Flaherty.
Fue un cineasta estadounidense. Nació el 16 de Febrero de 1884.
Inicialmente estudió ingeniería de minas, tras lo cual empezó a trabajar como
explotador en una mina de hierro para una compañía de ferrocarriles en la bahía
de Hudson. En una de sus expediciones, realizada en 1913, su jefe le propuso
grabar la vida cotidiana de las gentes nativas de la zona, iniciando su carrera
cinematográfica. Durante este primer trabajo, se centró en la tribu de los
inuit. Al año siguiente, antes de continuar su proyecto, se casó con Frances H.
Flaherty, que trabajó en muchas de sus obras, recibiendo una nominación al
Oscar por el mejor guión en 1948 por “Lousiana
Story”.
En este tiempo convivió con Aliakarallak, un miembro de esta tribu. Sin
embargo, este proyectó se perdió por culpa de un incendio provocado,
accidentalmente, por una colilla tirada por el propio Flaherty, de modo que no
le quedó más remedio que volver a grabar el proyecto. La segunda vez que rodó
el largometraje, hacia 1922. En esta ocasión, decidió preparar aquello que iba
a grabar, y el resultado de esta obra fue el largometraje por el que ha pasado
a la historia: “Nanuk, el esquimal”,
cuyo protagonista era el inuit mencionado, Aliakarallak, y en la que trabajó su
mujer Frances, como la esposa de Nanuk. Tal fue el éxito de “Nanuk” que consiguió un contrato con
Paramount, la compañía cinematográfica, que le pidió que hiciese un
largometraje de la misma línea de “Nanuk”
de modo que empezó a rodar “Moana”,
primera obra del género documental-ficción, un género que intenta plasmar la
realidad, pero que introduce elementos irreales y situaciones de ficción
narrativa.
Para ello, tuvo que mudarse con su familia a Samoa, en el Océano Pacífico
durante aproximadamente un año, proyecto para el cual tuvo dos cámaras, una de
color y otra de blanco y negro, pero la primera se estropeó, viéndose obligado
a grabar enteramente el largometraje con la segunda. Pese a que esta película
supuso un gran avance en E.E.U.U. al pasar de estar hecho con ortocromática,
hecho con los colores rojo y azul, pero más sensible a éste último color,
dándole un aspecto irreal, a estar producido con pancromática, un tipo de
película hecho en blanco y negro, pero sensible a todas las ondas del espectro
visible, de modo que se convierte en una obra más real.
Sin embargo, siempre estuvo por detrás de los pasos europeos. Cuando
llegó a la isla, los nativos ya habían adoptado vestimentas occidentales, como
fruto del contacto con los misioneros. La película trataba de un joven que
debía someterse a la realización de un tatuaje samoano, mas conocido como Peá,
que cubre desde la cintura hasta los tobillos y cuyo proceso de realización, el
tatau, es extremadamente doloroso. Un miembro de la tribu samoana que lleve
este símbolo es muy respetado por su valentía y se considera la introducción de
un joven en la sociedad adulta.
Fue un fracaso para Flaherty,
debido a que la isla y su población ya habían sido muy occidentalizadas, de
modo que ya no se podía tratar el tema de “El hombre y la Naturaleza”, como en
Nanuk. Además, debido a las prisas que le inculcó la productora no pudo
convivir con los protagonistas de la historia, como había hecho con
Aliakarallak, con todo lo que ello conlleva, es decir, observarlos, aprender su
vida diaria y conocerlos a fondo. Pese a que se rodó en 1924, no se estrenó
hasta 1926.
El resto de su vida lo dedicó al desarrollo del género de
documental-ficción, con largometrajes como “Tabú”,
que trata del romance de dos indígenas de la isla de Bora Bora, que deben huir
a una ciudad occidental de colonos cuando ella es elegida como doncella sagrada
de los dioses, “Mano of Aran”, que trata la vida de los irlandeses de la isla
de Arán, “Elephant Man” y “Lousiana Story”, además de algunos
cortometrajes del mundo occidental. Sin embargo ninguna de estas historias
alcanzó la importancia y éxito de su primera película, “Nanuk, el esquimal”. Murió el 23 de Julio de 1951.
Adrián Gómez García
Nanuk el esquimal.
Se trata de un largometraje, el primero considerado del género documental
de toda la historia, aunque no ha sido considerado como tal hasta tiempos
recientes, pues carece de neutralidad, una de las características fundamentales
de un documental. Sin embargo, con el tiempo se ha demostrado la imposibilidad
de lograr una neutralidad completa, por lo que ha acabado siendo reconocido
como primer documental de la historia. Con su aparición, el género documental
empezó a considerarse uno más.
Fue estrenado en 1922. Antes de esta fecha, solo existían largometrajes
que pretendían ser documentales, pero que lo único que mostraban eran paisajes
exóticos y bellas imágenes, que pretendían reflejar la realidad, y que tuvieron
un éxito muy escaso de público.
En el largometraje se narran las condiciones en las cuales debe
sobrevivir una familia esquimal en el océano ártico, detallando la sociedad de
este pueblo. Flaherty, el director del documental, ya realizó un intento de
filmar la vida esquimal en los años diez del siglo XX, pero el equipo se quemó,
perdiéndose todo su trabajo. Solo gracias a su esposa, Frances, de origen
esquimal, a la cual dio el papel de Nyla, la esposa del protagonista, Nanuk. Esta
vez se trasladó de nuevo a Hudson Bay, donde ya había rodado en anterior
largometraje, y durante aproximadamente dos años estuvo conviviendo con dos
esquimales, aprendiendo como cazar, pescar y sobrevivir.
Cuando el documental se estrenó en los Estados Unidos, apenas tuvo éxito,
pero, en Europa, gracias a la extraordinaria propaganda que se hizo del mismo,
alcanzó la fama y notoriedad con la cual ha perdurado hasta nuestros días.
El film en cuestión se trata de un tema antropológico, que refleja un
modo de vida diferente, quizás un poco idealizado, el del buen salvaje, es
decir, el hombre bueno que se preocupa por la naturaleza y que carece de
ambiciones, siendo este un tema que impresionó al público del momento.
No obstante, no es del todo
verídico, empezando por el hecho de que los personajes son inventados, lo cual
influye en la forma de comportarse de los actores, que no actúan como en su
vida cotidiana. Tampoco son reales muchas de las escenas, como por ejemplo, el
casi épico final de la película, cuando Nanuk y su familia están en peligro de
muerte, y para sobrevivir construyen un iglo. Esta escena, por ejemplo, se rodó
con un iglo ya construido, al cual se le hizo una abertura en un lado para que
Flaherty pudiese grabar el interior.
Por otra parte, los escenarios en los cuales se desarrolla la historia
son completamente reales, aumentando así la pretensión de veracidad con que
cuenta el documental. Esta intención de querer probar que la realidad es como
la muestra hace el largometraje mucho mas sencillo en cuanto a narración se
refiere, empleando además planos hermosos en lo que respecta al paisaje.
Además, facilita el correcto reconocimiento de los personajes mostrándolos en
primer plano.
Pese a ser la primera, esta fue la obra maestra de Flaherty, aquella que
más fama le proporcionó, y ninguno de sus trabajos posteriores se le acercó en
éxito, importancia o reconocimiento a la misma.
Adrián Gómez García
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